Faces in the Crowd

Una historia cargada de clichés, de personajes estereotipados, una historia de amor que no va ni viene a ninguna parte y con ciertas escenas en las que uno se queda pensando: o soy psíquica o esto es muy predecible. Todo esto contiene Faces in the Crowd. Pero no crean que es todo negativo, al menos lo más importante de la película no fue TAN predecible.

Anna Marchant (Milla Jovovich) es testigo de la muerte de una mujer en el puente. El asesino descubre que ella está presente en aquel lugar, lucha contra ella y Marchant termina sufriendo un accidente. La mujer es diagnosticada con prosopagnosia, un desorden cognitivo que produce que la persona no pueda reconocer las caras de las personas, ni las percibe tal cual son. Esto afecta su vida diaria como maestra, su relación con su novio Bryce (Michael Shanks) y con sus amigas, una mujer pelirroja que lo único que hace es mirar hombres y beber mucho alcohol en la película (Sarah Wayne Callies), y una latina (Valentina Vargas) que termina todas sus frases con un “chica” (ya entendimos que es latina, no hace falta repetir esa palabra en todas sus líneas).

A pesar de su incapacidad para recordar al asesino, Anna intentará ayudar al detective Sam Kerrest (Julian McMahon). Posteriormente en la película, los dos empezarán a tener una relación amorosa, lo que hace que la historia decaiga más todavía.

Más allá de lo negativo en la historia, hay dos cosas que hay que destacar. La primera es que al menos la identidad del asesino no se volvió tan predecible. Después también me pareció interesante ver cómo la doctora que ayuda a Anna con su condición (Marianne Faithfull) comienza a tratarla para que pueda vivir con su condición.

Las actuaciones son decentes, pero estas no llegan a salvar al film. También hay que agregar el cliché final. (SPOILERS) Anna encuentra una nueva vida en la isla a la que el detective la llevó en su momento, y sabemos en ese momento que tuvo una hija con Kerrest luego de una sola noche apasionada, antes de su muerte. En serio, esto puede ser que funcione en películas como Terminator, pero al menos ahí tiene más sentido esa historia romántica para la trama principal de la película.

En definitiva, es una película carente de sorpresas (salvo una), predecible por momentos y llena de clichés. En ella la búsqueda del asesino va teniendo cada vez menos importancia y va a tener una mayor relevancia la historia romántica de la protagonista con el detective (la cual no está tampoco muy bien ejecutada).

2,5 de 5

Love

La última película de Gaspar Noé trajo mucha controversia desde su estreno en Cannes. Love demuestra cómo son las relaciones en la actualidad, y cómo un llamado nos puede transportar a otro tiempo y lugar en el que recordamos todo lo que ocurrió con alguien importante en nuestra vida. Por eso, Love no es simplemente un film con escenas de sexo explícito. Es algo más profundo que intenta hacernos reflexionar sobre la sociedad, las relaciones y los errores que cometemos los seres humanos.

El protagonista es Murphy (Karl Glusman), un estudiante de cine norteamericano. Desde el primer momento conocemos que está en pareja con una chica rubia llamada Omi (Klara Kristin), con quien tiene un hijo. El llamado de una mujer lo sorprende y lo perturba. Es la madre de su ex novia que le dice que no sabe nada de su hija hace dos meses y no puede localizarla. A partir de ese momento Murphy comienza a recordar a Electra (Aomi Muyock), la mujer a la que extraña y sigue amando. El film nos cuenta toda la historia de ellos dos, volviendo en algunas escenas a la realidad con Murphy preocupándose por Electra y arrepintiéndose de sus errores.

Lo que logró Love es un retrato de una relación entre dos personas pasionales. La cual fue destruida por los celos y la traición de ambos protagonistas. Es también una lección, en la que Noé nos dice que debemos cuidar a las personas que amamos realmente, dado que la película vuelve todo el tiempo a cómo Murphy se siente preocupado por Electra y cómo su recuerdo altera toda su vida.

Los dos actores protagonistas no están mal. Paréntesis: Aomi Muyock me hizo acordar a Alexa Chung, ¿a nadie más le pareció que son similares? Pero creo que la fuerza del film está en el guión y en la estética que tiene. Para todos aquellos que han visto Irreversible se acordarán de cómo está filmada. La película va de atrás para adelante, provocando en el espectador incomodidad en la escena del túnel y con un final que provoca cierto malestar, que te deja pensando por varios días. Nuevamente el director realizó algo similar. En este caso la historia de la relación pasada está presentada a medida que Murphy la va recordando. Por ende, no está en orden cronológico. El propósito es diferente que en su anterior obra, esto lo realizó (o al menos así lo interpreto) porque la mente humana va recordando momentos de nuestra vida de forma independiente, y no necesariamente desde el momento inicial en que conocemos a una persona.

La estética de la película también es importante. Hay una abundancia del color rojo cuando ambos protagonistas están juntos. El rojo puede simbolizar la pasión entre ambos. En el principio del filme, cuando Murphy recién recibe la llamada, predomina el color blanco, y está todo iluminado (en parte porque es de día, pero esto no quita que sea importante) esto nos da una sensación de que hay un equilibrio ahora en su vida, a pesar de que él mismo dice que es infeliz al lado de su hijo y la mujer con quien lo tuvo. En las últimas escenas donde él ya entra en medio de una desesperación, y luego de conocer la historia entre ambos, nos muestran tonalidades apagadas y oscuras. Es de noche, y creo que eso también puede indicar cómo se siente realmente él.

Una observación final: el ex novio de Electra, por el que en parte se destruye su relación con Murphy, se llama Noé. El hijo de Murphy, por quien su relación terminó completamente se llama Gaspar.

4 de 5

Mockingjay pt. 2: Sinsajo pt. 2

El final tan esperado de una de las sagas más vistas de la última década llegó. Una película que dura un poco más de dos horas, y en la cual en la primera de esas no sucede casi nada interesante.

Las aventuras de Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) continúan desde el distrito 13. La película anterior nos dejó a un Peeta Mellark (Josh Hutcherson) confundido y con intenciones de asesinar a la cara de la revolución. Katniss, junto a su amigo Gale (Liam Hemsworth), va a terminar yendo al Capitolio para asesinar al presidente Snow (Donald Sutherland), diciéndole a su equipo compuesto por Cressida (Natalie Dormer), Castor (Wes Chatham), y Finnick (Sam Claflin), entre otros, que esa es la misión que le dio la presidente Alma Coin (Julianne Moore) antes de partir.

Creo que esta entrega final de la saga y la anterior es un ejemplo de por qué Hollywood debería dejar de dividir el último film (o último libro mejor dicho) de una franquicia en dos. El problema con las dos Mockingjays es que son dos películas lentas cuando se pudo haber hecho una sola de 2 horas y media más entretenida y con el mismo contenido. La fórmula utilizada en un libro gigante como el último de Harry Potter no tendría que aplicarse a Mockingjay, que tiene aproximadamente 300 páginas como las otras dos obras que componen la saga de The Hunger Games.

La producción es muy buena, al igual que la cinematografía, y los efectos son realmente muy convincentes. En cuanto a las actuaciones, hay de todo. No voy a hablar de Jennifer Lawrence, dado que ya expresé que en otro post que ella no me parece la gran cosa como actriz (lo que sí, podrían haberla hecho un poco más bronceada como en The Hunger Games, para que se parezca un poco más a la Katniss literaria). Pero igual repito que hay escenas en las que ella no me convence con su actuación. La que me sorprendió gratamente es Jena Malone en una pequeña escena que tiene con Lawrence. Malone se destacó en las predecesoras películas a esta, y en parte es porque su personaje es más agradable que Katniss Everdeen. Elizabeth Banks también se luce como Effie, y Julianne Moore. No hay mucho que decir de Julianne Moore porque sus interpretaciones siempre son un placer para ver. Lo mismo ocurre con Stanley Tucci, quien tiene una escena chiquita en esta entrega.

Otro punto a favor de esta entrega es que no abusa del romanticismo que se plantea entre Katniss y Peeta, y el triángulo amoroso con Gale. Lo importante acá es la guerra, la revolución que se está llevando a cabo. La película logra mostrar cómo una adolescente de 17/18 años tiene que llevar la carga de ser la cara de la revolución de Panem, y a su vez logra marcar los sentimientos de la protagonista al ver las consecuencias y lo que trae consigo la guerra. Repito: esto se ve bien también en la última hora de la película, no había necesidad de muchas escenas que parecen que filmaron para meter de relleno.

Para los que leyeron el libro, Mockingjay pt 2, no creo que terminen decepcionados. Para el resto, tengan paciencia porque recién a la hora comienza la acción que todos queremos ver. De todas formas, me sigo quedando Catching Fire, ya que de todas es la que más me gustó de la saga.

3,5 de 5

La belle et la bête: La bella y la bestia

El film de Jean Cocteau de 1946 es una muestra de que no todos los efectos especiales quedan bien con CGI y que a veces las películas clásicas con su ingenio para crear estos mundos de fantasía terminan siendo más atractivas que muchos de los estrenos de la actualidad. Esto es lo que me produjo esta versión de La Bella y la Bestia.

La última versión protagonizada por Lea Seydoux estaba cargada de CGI, lo que resultaba molesto en cierto punto y la bestia dejaba un poco que desear… Aún así es una linda película, pero no tanto como la de este cineasta francés.

La historia no hace falta que la cuente, pero lo haré para refrescarles la memoria. Belle (Josette Day) es una joven cuya familia vive en la pobreza. Su padre (Marcel André) se va de viaje para hacer negocios, y cuando le pregunta a sus hijas qué quieren, Belle le responde que desea una rosa. El padre de Belle termina pasando la noche en un castillo aparentemente abandonado. Antes de irse comete el error de arrancar una rosa para su hija. En ese momento aparece la bestia (Jean Marais) que le dice que para remendar su error, podrá elegir en los próximos tres días si será él la próxima víctima de la bestia, o si una de sus hijas se ofrece para sacrificarse en su lugar. Belle termina yendo al castillo en vez de su padre, y terminará siendo la prisionera de una bestia que en el fondo es más bondadosa y amable que los hombres mismos.

Además de los efectos especiales, la película resalta las hermosas locaciones y los vestuarios y accesorios utilizados por los personajes. Todo esto, sumado al guion, da como resultado un espectáculo visual, y permite disfrutar de una historia que por más que la conozcamos desde siempre, la vivimos como si fuera la primera vez que nos la cuentan.

Para todo aquel que quiera ver una película clásica, con buenos efectos y buenas actuaciones (un poco exagerado en alguna que otra parte, aunque es usual en los films de esa época), les recomiendo esta versión de la Bella y la Bestia.

4,5 de 5

Centurion

Una película de ficción británica sobre la desaparición de Novena Legión romana. A eso añádanle paisajes escoceses y una fotografía cargada de tonos azules. Finalmente, agréguenle sangre, personajes masculinos y femeninos sumamente interesantes (quizás más los femeninos que los masculinos) y tienen como producto Centurion.

Esta obra de Neil Marshall trata la historia del soldado romano Quintus Dias (Michael Fassbender), un centurión que se encuentra establecido en Britania. Dias es capturado luego de un motín por parte de los Pictos, una tribu ubicada al norte, en Escocia. El centurión logra escapar y en medio de su persecución es auxiliado por la Novena Legión. En el camino de regreso a su territorio caen en una emboscada, de la cual su general Titus Flavius (Dominic West) queda como prisionero. De esa trampa salen convida solo unos seis romanos. Su misión ahora va a ser primero, rescatar al general. Segundo, volver a sus casas. Lograr todo esto sin que Etain (Olga Kurylenko) los rastree y los mate.

Como dije más arriba, los personajes me atraparon, principalmente el de Etain. Ella es una mujer picta que perdió a sus padres en un saqueo llevado a cabo por el ejército romano. En el mismo también perdió su capacidad de hablar, ya que le cortaron la lengua tras maldecir al Imperio. En la película juega un doble papel. Al principio ella ayuda a rastrear a Dias, lo que permite que se salve de la tribu escocesa. Después termina siendo ella la que quiera asesinarlo por órdenes del líder de su pueblo.

El resto de las actuaciones también me gustaron mucho. El reparto y los paisajes escoceses son lo que mejor que tiene la película. Tengo dudas respecto del final todavía. No me logra convencer del todo. Pero claro, no les diré cuál es.

A todos aquellos que quieran verla, les advierto que es una película que tiene muchas escenas sangrientas. En lo personal no me molesta, pero a todo aquel que pueda impresionarle los filmes como los de Tarantino no se la recomiendo (para que no pasen un mal rato y no me terminen insultando mentalmente).

3 de 5

Jeux D’Enfance: Love Me If You Dare

¿Qué tan lejos podemos llevar un juego? ¿Qué somos capaces de hacer y de no hacer? Love Me if You Dare es una comedia romántica francesa de dos niños que crecen juntos y su principal diversión es retar al otro a diversos desafíos. Al completar cada uno de ellos, se van pasando una pequeña lata que tiene pintado en su exterior un carrusel.

Estos dos niños son Sophie Kowalsky (Marion Cotillard la interpretará en su adolescencia y adultez), una joven polaca que sufre bullying por sus compañeros debido a su origen. El otro protagonista de esta historia es Julien Janvier (quien será interpretado por Guillaume Canet en su versión adulta). Julien tiene a su madre enferma que fallece al poco tiempo de empezar la película. Sophie y Julien comienzan una amistad muy intensa. Cada vez realizan retos más inapropiados y bizarros. (SPOILER) El problema va a surgir cuando Sophie comienza a demostrar que tiene interés en algo más que una amistad. Julien parece que no, hasta que Sophie se cansa de los juegos de su amigo y lo reta a dejar de verse por un año.

Lo que me pareció muy gracioso de la película es que se reprodujo en la misma versiones diferentes de la canción de Edith Piaf de La vie en rose, y esto lo menciono dado que años más tarde Cotillard recibió un Oscar por su interpretación del ícono musical francés. Yo me arriesgo a decir que Love Me if you Dare es una película que predijo el Oscar de Marion Cotillard como también el romance entre ambos protagonistas, ¿qué tal?

Ok, pero volvamos a ser serios y críticos. A pesar de que el personaje de Canet mucho no me gustó en este film, tengo que admitir que hizo un buen trabajo. La que me maravilló es Cotillard, y creo que en parte esto sucedió porque me sentí identificada (un poco, no mucho) con su personaje.

Lo que me chocó un poco fue la existencia de dos finales presentes en el film. Por un lado presiento que esto lo realizaron para que el espectador decida cómo debía concluir la historia de los dos locos que se enamoraron y tardaron tanto en descubrirlo. Por otro lado, me dio la sensación de que el guionista no se decidía qué final poner y terminó agregando los dos. Sea cual fuera, me gustó que se le dé al espectador la posibilidad de interactuar con la película (si se puede decir que ese es el fin de la misma) y dejar que él/ella decida con qué final se queda.

4 de 5

Fair Game

La historia real de una agente de la CIA, cuya identidad es revelada en un periódico estadounidense y debe descubrir quién la traicionó. De esto se trata Fair Game, una película que tiene grandes actores y una trama que nos hace pensar en lo jodido que es el sistema.

Valerie Plame (Naomi Watts) es una mujer que vive con su marido, sus dos hijos y es a su vez, una espía de la CIA. Tiene mucho prestigio en el Centro de Inteligencia, dada su gran capacidad de resolver conflictos (lo digo por cómo logró que la CIA se encargara en un primer momento de los científicos en Irak), y también por su ascenso a jefa de operaciones en Irak, cuando Estados Unidos estaba a punto de entrar en la guerra.

Film: FAIR GAME (2010) Starring Naomi Watts as Valerie Plame Valerie Plame (Naomi Watts)

Joseph Wilson (Sean Penn) es el marido de Valerie y es un diplomático con conexiones en Nigeria. La CIA solicita su ayuda para investigar la cantidad de uranio que tiene el país africano y que piensa exportar a Irak, para así construir armamento nuclear.

Todo esto se va al demonio cuando un periódico revela la identidad de Valerie Plame como agente de la CIA. Esto hace que su marido comience a hacer campaña para que se investigue quién la traicionó y para contar su verdad. El matrimonio pronto pasará a ser una de las familias más desprestigiadas del país, e incluso comenzarán a recibir amenazas de muerte.

La película me pareció sumamente interesante, dado que se trata de un caso real. Lo que sí me parece que es importante remarcar, es que hay que prestarle suma atención, y quizás los hechos transcurren tan rápido que hay detalles que pueden quedar en el olvido. Esto no significa que el film sea malo, al contrario. Pienso que es una gran historia de espías que merecía ser contada, dada su importancia en Estados Unidos.

En cuanto a las actuaciones, ambos protagonistas me gustaron muchísimo. La verdad es que Naomi Watts me parece una gran actriz, así que creo que verán más críticas de sus películas por acá.

3,5 de 5

The Propaganda Game

¿Cuánto conocemos de Corea del Norte? ¿La información que tenemos del país es verdadera? ¿Qué saben ellos del resto del mundo? Éstos y otros interrogantes plantea el cineasta español Álvaro Longoria en este documental.

Sabemos que Corea del Norte es un país hermético al que nadie puede entrar, ni salir. También nos enteramos mediante los medios de comunicación de sus intenciones de crear un armamento nuclear para combatir a su principal enemigo, Estados Unidos. Conocemos a su líder y cómo se lo tiene que considerar como un dios. La oportunidad que nos da este documental de conocer el país por dentro y de poder conocer a su gente es única. Sin lugar a dudas, permite ver que estas personas viven sus vidas como cualquier otra persona en el mundo, a pesar de las restricciones que tienen.

Lo que me chocó un poco, fue cómo venden la ideología del país y publicitan al mismo como la tierra de la paz y la felicidad, sobre todo de parte del español Alejandro Cao (único inmigrante que vive allá y trabaja para el gobierno). El simple hecho de que tienen parte de la población muerta de hambre, no significa que Estados Unidos tenga la culpa si el gobierno distribuye mal los ingresos y destina el 16% de los mismos en el mantenimiento de sus ejércitos. También me molestó cómo hablaban de los Derechos Humanos (decían que eran un invento norteamericano para controlar las regiones), especialmente cuando pertenezco a un país que sufrió de una dictadura militar y que encontró justicia por haberse violado los DD.HH. de miles de personas. Finalmente, el señor realizó un comentario en una escuela que me hizo reír demasiado, les enseña a los niños que todo el mundo tiene envidia de Corea del Norte porque “es el mejor país del mundo”. No sé ustedes, pero me agarró una impotencia y ganas de comprarme un punchball para no ejercer la violencia física contra nadie.

Lo bueno del documental es que utiliza fuentes de diferente origen. No busca solamente los testimonios de la gente norcoreana, sino que ésta la contrasta con especialistas en diversos temas y personas que trabajan en los medios de comunicación y en las universidades de Europa y Estados Unidos.

Me dio la sensación de que Corea del Norte es una mezcla entre Un Mundo Feliz y 1984, de Huxley y Orwell. Si bien les dan casa, educación y acceso a la salud, se debe sí o sí hablar bien del líder y estar de acuerdo con él. Te recuerda que todo es de él por las fotografías del líder y su padre en todos los edificios, en los transportes, etc. Parecía el Gran Hermano.

La conclusión a la que llegué es que si bien no tenemos mucha información del país, hay muchas cosas que nos hacen sospechar sobre cómo lo venden al mismo. Te muestran una nación en donde la gente vive en paz, tranquilidad, etc, pero a su vez, los cineastas no pudieron andar solos por la calle (siempre había alguien del gobierno que los acompañaba) y no salieron de la ciudad capital Pyongyang, donde la población es la más rica del país. El hecho de que haya alguien del gobierno acompañando a los realizadores del filme hace que las entrevistas que realizan en la calle carezcan de valor, porque hay alguien ahí vigilando lo que dicen y así el discurso de la felicidad se sigue transmitiendo por la presencia de fuerzas mayores.

3,5 de 5

 

Agent Carter: segunda temporada

Nuevamente nos encontramos en la década de 1940. Estados Unidos ha ganado la Segunda Guerra Mundial, pero tiene todavía muchos conflictos por resolver.

La Agente Peggy Carter (Hayley Atwell) regresa en esta segunda temporada para una nueva misión: enfrentarse a la ex actriz y villana Whitney Frost (Wynn Everett). Junto a Carter va a estar su asistente, en realidad el mayordomo de Howard Stark (Dominic Cooper), Edwin Jarvis (James D’Arcy), y su compañero del SSR, Daniel Sousa (Enver Gjokaj).

La primera temporada tenía un pequeño hilo que unía a la serie con la primera película del Capitán América. Este año no se lo mencionó al superhéroe de guerra en ningún momento. Peggy no lo ha olvidado, de eso seguro, pero tiene que vivir su vida y seguir adelante, ¿no?

Esta vez no estamos en Nueva York, sino en Los Ángeles. Por ello, hay personajes que no van a estar en esta temporada. Peggy ahora va a tener un admirador (no les voy a contar mucho de este personaje, pierde la gracia) que es Jason Wilkes (Reggie Austin). Sólo les diré que es un hombre muy inteligente y la ayuda a Carter con su misión… al principio, al menos. Hablando de relaciones amorosas en la serie, conocemos a la esposa de Jarvis, Anna (Lotte Verbeek) que es extraordinario para ser secundario. Sousa también anda con una pareja, (pobre Peggy, parecía que había algo entre ellos en la primera temporada).

Me hubiese gustado ver un mayor tiempo en pantalla de Howard Stark, siempre es un divertido ver su relación con Carter. Otro personaje importante de la temporada pasada, que aparece en unos capítulos de esta, es Dottie Underwood (Bridget Regan). Si algunos recuerdan, en el final de la primera serie esta espía soviética logra salirse con la suya y escapa del SSR. Pero en el primer capítulo de la segunda ella es detenida a los 5 o 10 minutos de empezar. En serio, se pudieron haber esforzado un poco ahí. Denle un poco más de crédito a Dottie, demostró ser una villana increíble y demasiado inteligente para que le den tan poco tiempo en libertad este año. Lo bueno es que su participación en la serie no termina ahí (¡Buenísimo! Ella realmente me divierte).

En esta temporada, Whitney Frost obtiene una sustancia conocida como materia zero, con la cual tiene la capacidad de hacer volar a todo el planeta. Ella no actúa tanto por sí misma, sino por la sustancia que lleva dentro (ya sé, Wilkes dice que la subestimamos, pero si le sacamos esa materia de adentro no es un peligro para la humanidad). Este villano no es tan atractivo como Dottie, porque a diferencia de Whitney, Underwood es peligrosa y está entrenada para obtener lo que desea. De todas formas, quiero destacar el trabajo de Wynn Everett. La actriz logró demostrar la ambición de Whitney, lo cual hizo del personaje atractivo (no tanto como Dottie. Aclaro esto para que no parezca una contradicción).

Esto último lleva también a los últimos capítulos de la serie y su diferencia con la temporada anterior. En la primera temporada estuve tensionada durante los últimos dos episodios por culpa de esta espía soviética. Es esta segunda, sabíamos los planes de Frost, hubo un par de momentos de tensión, pero no era constante como con Underwood.

Agent Carter no ha perdido su estilo. A aquel que le ha gustado la primera temporada, seguramente le gustará esta. No sé si será renovada a una tercera temporada, pero si lo hacen, me apuntó a verla de una.

Lizzie Borden took an ax

Una película sobre un crimen que sucedió hace más de 100 años atrás y que todavía sigue presente como historia en la cultura popular norteamericana nos hace pensar que debe ser interesante. Si tiene actores reconocidos, que anteriormente realizaron trabajos notables, entonces creemos que debe ser algo realmente bueno. Como me equivoqué…

La historia se centra en Lizzie (Christina Ricci) y su relación con su familia. Ella se lleva mal con sus padres, los considera conservadores. Es una joven rebelde que sus parientes no pueden controlar, ni siquiera su hermana Emma (Clea DuVall). Un día, sus padres son asesinados brutalmente y ella es la primera sospechosa.

Más allá de que la película es súper predecible, creo que la falla más grande está en las actuaciones. Sobre todo la interpretación de Christina Ricci. La actriz no me convenció, y fue la menos creíble de todo el reparto.

Por otro lado, se utilizó el mismo recurso de la música contemporánea que usó Sofía Coppola en Marie Antoinette. En esta última quedaba como algo artístico y se comprendía que esta banda sonora tenía un propósito en sí. En Lizzie Borden took an ax queda fuera de lugar. En Marie Antoinette la música nos hacía pensar que la Reina de Francia actuaba como cualquier adolescente, y que cualquier joven de nuestros días hubiese actuado como ella posiblemente. En cambio, las canciones contemporáneas que se escogieron en esta película ¿qué quisieron mostrar? Sólo respondan si vieron la película, aunque ya pueden saber cómo termina.

Lo que rescato de positivo es la ambientación y la ropa de la época en la que vivió Lizzie Borden. Lo que sí me pregunto es si las lámparas que aparecían en la casa a la que va para una fiesta son de esos tiempos, pero bueno, aquello es un detalle.

Desafortunadamente esperaba más de esta película. Ojalá que a alguien le haya gustado más que a mí, porque la verdad es que fue una decepción.

2 de 5